El cine y el mito de la caverna de Platón.

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Platón describió en su alegoría de la caverna una vivienda críptica, en la cual se encuentran un grupo de hombres, prisioneros desde su nacimiento por cadenas que les sujetan el cuello y las piernas de forma que únicamente pueden mirar hacia la pared del fondo de la caverna sin poder nunca girar la cabeza. Justo detrás de ellos, se encuentra un muro con un pasillo y, seguidamente y por orden de cercanía respecto de los hombres, una hoguera y la entrada de la cueva que da al mundo, a la naturaleza. Por el pasillo del muro circulan hombres portando todo tipo de objetos cuyas sombras, gracias a la iluminación de la hoguera, se proyectan en la pared que los prisioneros pueden ver.

El filósofo griego ya vislumbró el cine moderno alrededor del año 395 a. de C. al principio de su VII libro sobre la República. Un haz de luz, un objeto, una pantalla en un lugar oscuro.

La alegoría de Platón acaba con la liberación de uno de los prisioneros que traspasa la llama de la hoguera para ver la luz del sol que proyecta la realidad, y no meras sombras, el sol es una metáfora del Bien.

El cine también son luces y sombras pero no es la realidad. El cine es entretenimiento e ilusión. Y algunas veces especula sobre la verdad.

Platón postula la existencia de una Idea para abarcar lo común en entidades semejantes. A este tipo de ideas las llamó Universales.

Aristóteles discutió a su maestro Platón y denominó Universal a “un uno que se dice de muchos”. Los Universales son los términos que pueden predicarse de más de un sujeto.

La existencia de los Universales ha sido revisada por filósofos de todos tiempos. Pero si retornamos a la metáfora del Sol en la Caverna: El Bien. Todo parece indicar que el Bien es un “Universal”. Sol y Bien son Luz. Sol, Bien, Luz ¿Son universales?

El cine es luz, sin luz no es posible, inclusive la televisión.

Entramos en una nueva era, la del cine digital. En pocos años el celuloide será cosa de sibaritas, como ya lo es el vinilo.

Un hecho sustancial de la era digital es que el cine se graba utilizando una representación digital del brillo y el color en cada píxel de la imagen, en lugar de quedar fijada por emulsión química en la película de celuloide tradicional. Las imágenes y los sonidos son codificados mediante conjuntos de “bits”.

Estamos ante un cambio significativo en el proceso cinematográfico. El cine comienza a ser también fruto de una codificación numérica. Y me pregunto al estilo clásico ¿El número 1 es un Universal? ¿Lo es el número 0? ¿El Cine es un Universal? ¿Existe un código Universal?

Sed felices.

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La tensión del azar.

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El azar también llamado hado, está presente segundo a segundo en la existencia misma. El pensar es azar, capricho, atención. El tiempo atmosférico, la luz del sol, la de la luna son variables, hay diversas tonalidades y texturas de color en cada momento: Una lígera bruma, una ráfaga de viento.

Un documental no es una obra de teatro donde las luces, los decorados, los actores y el telón repiten dos veces al día lo mismo, incluso una misma mueca o una leve sonrisa, que supongo perfeccionan en el transcurso de las representaciones, la naturalizan tanto, que casi ya no es interpretada.

Recuerdo los años de grabaciones en la naturaleza por selvas europeas, americanas y africanas. Allí, a veces inaugurabamos el mundo, pisabamos territorios que posiblemente nunca había pasado un ser humano antes. Se conocía la zona, si, pero esos miles de metros cuadradros era la primera vez que habían sido hollados por el ojo humano. Es una sensación que se tiene cuando se avanza por las trochas de cualquier bosque, alejado de la civilización. La grabación y el montaje de los documentales de naturaleza es un puzzle de azar, que con el tiempo aprendes a humanizar el "campo y contracampo" animal, ya que la belleza se manifiesta por si misma de forma lujuriosa en algunos lugares recónditos del planeta.

Ahora, no estoy en la amazonía ni el sabana africana , estoy en Jávea, sigo un guión, intento ser previsible en el trabajo. Aquí no inauguro nada y dejo ese menester a los que lo merecen. Sin embargo el azar persiste y ha alcanzado un grado de sutileza, de gracia, tal vez mayor.

Tendré que afinar las cuerdas.

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¿Qué es el documental de creación?

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Después de algunos días rodaje, un sentimiento de duda, de pequeña insatisfacción merodea en mi mente, y ligeramente agita mi respiración de vez en cuando.

Sin embargo percibo, como siempre ocurre, cuando se intenta mejorar una obra, que la atención y concentración del día a día siempre funciona, al menos se avanza...

Me pregunto que es un documental de creación, aunque algunos cineastas reunidos en Francia, lo han definido como un documental de autor, para mi es un audiovisual con lenguaje fílmico, narrativo no de ficción, lo más parecido a lo que se llama un libro de ensayo en literatura.

En la busqueda de definiciones, he encontrado la del crítico de arte fotográfico Fred Camper del Chicago Reader, y acojo su descripción de cine experimental para el documental de creación:


1- El filme es creado por una persona, ocasionalmente un pequeño colectivo de trabajo, que trabaja con presupuesto minúsculo, muchas veces proveniente del propio bolsillo del director o de pequeñas empresas. Se realiza desde la pasión personal de este creador y con el convencimiento de que el éxito masivo y los beneficios económicos son improbables. En este caso, “presupuesto minúsculo” significa algo bien distinto de lo significa para el cine narrativo de estreno en salas comerciales. Acaso unos miles de dolares, hasta incluso unas pocas decenas de miles.

2- El filme evade el modelo de producción usual, en el cual las diversas funciones de un realizador están divididas entre diversos individuos o grupos. Aquí el cineasta es productor, director, guionista, director de fotografía, cameraman, editor, grabador y editor de sonido, o desempeña cuando menos dos de estas funciones.

3- El filme no intenta ofrecer una historia lineal que se desenvuelva en el espacio teatralizado de la narrativa convencional.

4- La película emplea de manera consciente los instrumentos del lenguaje cinematográfico para llamar la atención sobre ellos, y no lo hace en escenas entre paréntesis, aisladas por otras escenas más realistas, de modo que las primeras sean vistas cual secuencias oníricas o fantásticas. (Ejemplos: raspar o pintar directamente en la tira de celuloide, en la actualidad, usar efectos digitales; cortes rápidos e impredecibles, de manera que el montaje llame la atención sobre sí mismo; uso de fueras de foco, de la sobrexposición o su contrario; movimientos de cámara extremadamente rápidos que desdibujan las imágenes; lentes distorsionantes; tilts extremos de la cámara; colocación de objetos enfrente del lente para alterar la imagen; fotografía en lapsos de tiempo; collage de objetos aplicado directamente en el celuloide; uso de recursos de abstracción como las sobreimpresiones y otros efectos ópticos; títulos y letreros que ofrecen comentarios más allá de proveer información o de hacer avanzar el relato; sonido asincrónico; corte y vinculación de imágenes no conectadas espacialmente, de manera que no se rinda tributo a los propósitos narrativos o a cierto propósito simbólico fácilmente identificable.

5- El filme mantiene una relación de oposición con las características estilísticas de los medios de comunicación y con los sistemas de valores de la cultura "mainstream": Anglicismo que literalmente significa corriente principal, que se utiliza para designar los pensamientos, gustos o preferencias aceptados mayoritariamente en una sociedad. Toma relevancia en los estudios mediáticos actuales al reflejar los efectos de los medios de comunicación de masas del siglo XX sobre la sociedad actual. Una diferención a modo de ejemplo, por ello, en los filmes que empleen material de archivo o preexistente con propósitos instructivos, el original deberá ser reeditado con el fin de crear de alguna forma la crítica al estilo o al significado del original.

6- El filme nunca ofrece un mensaje claro y unívoco. Mucho más que un film "mainstream" , el vanguardista o experimental se embarga en ambigüedades conscientes, estimula la interpretación múltiple y propone técnicas y sujetos paradójicos o contradictorios para crear una obra que requiera la participación activa del espectador. Provocar la reflexión.En la fase de rodaje hay que tener clara la composición de los planos y en la mente, una idea cercana de como será el montaje. Aunque normalmente la reguionización es un recurso progresivo, tanto en la grabación como en el montaje.

Pero en estos días que recorro lugares de Jávea en busca de belleza y luz ¿Cual será la perspectiva de la mirada de la cámara? ¿Cercana y entrañable? ¿Lejana y estética? ¿Una mezcla de las dos cuestiones anteriores? ¿Cómo realizaré la progresión en la narración, el acercamiento al objeto?

Sin duda al pie del trípode de la cámara cada día. Sin la imágenes adecuadas no es posible el montaje ideado.

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